Wim Wenders on his 3D homage to Pina Bausch
By Martin Blaney | May 26, 2011
This year’s Berlinale presented the world premiere of Wim Wenders’ new film Pina in an Out-of-Competition screening. KINO – German Film spoke with the director about making Pina.
What were the greatest challenges for you working in 3D?
Wim Wenders: The thing was: nobody could really tell me much about it. The few people who worked with the medium had worked under rather different conditions. I had the 3D pioneer in Europe at my side, Alain Derobe, but he had also never done a feature film in 3D before. But he also knew a lot about the physiological aspect of 3D which was utterly important. The challenge was to find a different approach to 3D. Instead of that “blockbuster attraction” feeling, Alain and I wanted to create a very natural style, a total ease of looking at things, so that the film could be elegant and fluid and you would forget after a while that it was in 3D. We learned not to move the camera too fast and to have almost no more lens changes. There was a certain learning process involved, a bit like “Jugend forscht“. Apart from Alain’s technical know-how, there was no experience to build on. The biggest problem was stroboscoping. Our dancers would often move quickly, and that is difficult in 3D. Every little flaw in shooting on film is magnified, even quadrupled in 3D.
What is it about the Pina Bausch’s Tanztheater that particularly lent itself to 3D?
WW: The key element of dancers is space. With each step, each gesture they conquer space. A flat screen does never do it justice. And especially for Pina’s playful, tender, “human” kind of dance, without access to “space itself” you are not in the same room, not in the dancers’ realm. Dance and 3D, that is a marriage made in heaven.
Can you see continuing with 3D for future projects?
WW: It could be hard to go “back to normal” now. I must say I am bit addicted to 3D. I have made another two short films in the format. It might be interesting to see what happened to the flat image and my perception of it, if I go back. But right now I would rather go on in 3D because I have the feeling that I’ve only just scratched the surface of what is possible, and have not even looked into storytelling.
Wim Wenders spoke with Martin Blaney
Topics: Misc. | Comments Off on Wim Wenders on his 3D homage to Pina Bausch
Tevfik Baser turns 60
By admin | May 26, 2011
Turkish-German filmmaker Tevfik Baser celebrated his 60th birthday at the beginning of this year. Here is a review by Ron Holloway of Baser’s second feature film Abschied von falschen Paradies (Farewell from a False Paradise) which first appeared in KINO – German Film 33 from 1989.
A moving performance by Turkish actress Zuhal Olcay as Elif in Tevfik Baser’s Farewell from a False Paradise lifted this prison tale far above the usual. This is the story of a foreign alien, a shy and sensitive young mother of two small children placed behind bars for killing her husband.
Upon entering with Elif the women’s prison in Hamburg, we become first aware of her agony over not being able to speak German – thus, her only avenue of human communication is through letters written in Turkish to her mother. From that point on, however, she gradually takes her fate into her own hands to emancipate herself, step by painful step, until the prison term is over.
Baser’s second feature film can be viewed as the same story, in reverse, of his first: 40m² Deutschland (1986). In that film, a Turkish woman is also kept imprisoned – by her husband in the couple’s small apartment until his sudden death, whereupon she is freed to venture out on the streets for the first time. This time, the same sensitive individual is liberated by her very detention in a prison cell of even smaller proportions than 40 Square Metres of Germany.
Baser is a talented psychological director who can take seemingly cold facts and minor details to suggest, by nuance, a larger-than-life predicament that Elif will face beyond the present into the future. We never really know why she killed her husband, although judging by the reserved attitude of her brother (her husband’s best friend), she apparently had cause. And we don’t know if her brother’s family will return the children to her after she serves a five-year sentence. The message of the film may be simply that Elif, as an emancipated woman, should be able to meet and resolve these problems on her own when she gets out.
How much Elif is really emancipated is also left up in the air. True, she has made friends at the prison and won the respect of the woman attorney handling her case. But so much has now faded from her past that even the children appear to be momentarily forgotten in lieu of a budding romance with a male Turkish inmate across the prison courtyard. Her attempted suicide at the end also hints that knowledge can be as heavy a crucible to bear as deprivation of the spirit.
Farewell from a False Paradise, the best German film on display in the official programme of the [1989] Berlinale (it received there a Special Screening), won the First Prize of the 17th Strasbourg International Film Festival awarded by the city’s Human Rights Institute.
Ronald Holloway
Farewell from a False Paradise was nominated for the German Film Prize in 1989 and actress Zuhal Olcay received one in the category of Best Actress. The film was subsequently screened at the 1991 Cannes Film Festival in Un Certain Regard.
Topics: Misc. | Comments Off on Tevfik Baser turns 60
Karl-Heinz Lotz turns 65
By admin | May 26, 2011
At the 8th Max Ophüls Prize Festival in 1987, the Interfilm Jury under president Dorothea Moritz awarded its prize to Karl-Heinz Lotz’s Young People In The City. Ron Holloway reviewed the film in KINO 24/25 (1986/87).
Winner of the Interfilm Jury award at the Max-Ophüls-Prize festival in Saarbrücken (together with a Purse Award of DM 10,000 donated by Saarland’s Minister President Oskar Lafontaine for distribution purposes), Karl-Heinz Lotz’s Young People In The City well deserves singling out on several grounds. Not only is this a remarkable DEFA producing drawing attention to a forgotten German author, Rudolf Braune (1907-1932), but it also introduces a talented newcomer on the directorial scene in the German Democratic Republic.
As for Rudolf Braune himself, he died in a tragic swimming accident shortly after his novel was published in 1932. The setting is Berlin in 1929, with the focus on four young people from the provinces – the unemployed Emanuel and the taxi-driver Fritz, the music-hall flapper Susi and the department-store cashier Frieda – who struggle for a footing in the Big City in the midst of the Depression. The city ultimately swallows them up.
Seldom has a German production captured with such faithfulness the stylistic elements of recreating a historical time and place: Berlin in the Roarin’ Twenties. Milieu and atmosphere, sets and costumes – the factors that went into the success of Sergio Leone’s Once Upon A Time In America and Francis Ford Coppola’s Cotton Club – make Young People In The City a particularly rewarding visual experience. The taxi company, the bars and clubs, the interiors of hotel rooms, the street scenes – all have an authenticity that speaks of extensive, thorough pre-production planning.
Young People In The City is the story of the young proletariat driven up a blind alley of despair and degradation. Emanuel is falsely accused of killing a policeman in a street demonstration, and this after he has finally landed a taxi-driving job with his friend Fritz – he had hoped that his days of hunger and freezing would finally be over. Frieda, in order to keep her job at the department store, has to forfeit her love for Fritz and succumb to the advances of her boss – or simply lose her job if she refuses. Each of the four is a loser one way or another.
It’s their vulnerability that makes them sympathetic flesh-and-blood characters. Lotz found entirely new young faces to play the four protagonists on DEFA screens. The credits in the camera and sets departments are to be especially singled out. And, to Lotz’s own credit, as screenplay writer in addition to directing the film, Young People In The City is curiously and gratifyingly without a “message” to mar the scope of this human drama that speaks as frankly and compassionately to the unemployed youth of today as the novel did to its readers yesterday.
Ron Holloway
A happy birthday in advance for Karl-Heinz Lotz who will turn 65 this autumn! (eds.)
Topics: Misc. | Comments Off on Karl-Heinz Lotz turns 65
Wolfgang Petersen turns 70
By admin | May 26, 2011
As a way of marking Wolfgang Petersen’s 70th birthday this spring, KINO – German Film offers extracts of an interview Ron Holloway conducted with the Emden-born director in spring 1984 to discuss the making of The Neverending Story.
Sitting with Petersen in a suite of West Berlin’s Hotel Kempinski, Ron described him as the “German director approaching New Hollywood Cinema in theme, style and perfection.”
Petersen replied that this was a compliment he appreciated: “I do have a distinct liking for movies that tell a story well – for films like Francis Ford Coppola’s The Godfather and Steven Spielberg’s Jaws and George Lucas’s Star Wars. And when I made Das Boot and it played America, I was flattered to hear that Spielberg numbered my film among his personal favorites. So I asked him in turn to look at a rough cut of The Neverending Story, and he did. Together, we were able to tighten the story line by editing out some eight minutes to ‘bridge’ key action sequences.”
Asked whether the Michael Ende adaptation was an American or European production, Petersen replied that, “of course, it’s a European production. Better still: a German one. It’s true that the blue-screen technique has been perfected by such New Hollywood directors as George Lucas, and that’s where everyone presently has to go to do the ‘combinations’ required in using the technique. The puppets, too, required a visual-and-special-effects consultant, so Broan Johnson was brought in to help on the production: he had won an Oscar for his combined work on Alien and The Empire Strikes Back.”
“Altogether, that may appear to be a blueprint for a Hollywood spectacle,” Petersen continued. “The only difference is something Steven Spielberg said to me while assisting on the working print – namely, The Neverending Story would probably have cost twice as much to make along American standards. So, in end effect, the film is not only a clearly Germanic theme, but it’s also ‘made in Germany’ for export abroad.”
In the interview, Petersen also recalled his work for television after having graduated from Berlin’s dffb in 1969: “This was a fine training ground for learning how to tell a story, how to make it fully credible in pace, mood, and emotional detail.”
He also worked with Günter Rohrbach at WDR in Cologne on a number of TV films, including Smog (1972) which won the Prix Italia in 1974 “and thus opened the doors to more serious and expensive projects. A public’s favorite among these was the two-part adaptation of Max von der Grün’s social-conscious novel Stellenweise Glatteis (Icy Patches in Places, 1975) [starring Günter Lamprecht, Dorothea Moritz and Klaus Schwarzkopf]. It was in Icy Patches that I learned how to handle masses effectively before the camera, and how to let a good story flow at its own pace to remain convincing.”
Ron Holloway
The complete interview with Wolfgang Petersen can be found in KINO 14 (1984)
Topics: Misc. | Comments Off on Wolfgang Petersen turns 70
Roundup of April Festivals – from Nyon to Berlin
By Martin Blaney | May 26, 2011
Visions du Réel, Nyon (CH)
With the new artistic director Luciano Barisone at the helm this year, Nyon’s Visions du Réel documentary film festival (April 7-13) had a greater clarity with three international competitions for feature documentaries, medium-length and short films. German films were among the prize-winners including Sebastian Mez’s Ein Brief aus Deutschland which presents three women from Eastern Europe reading letters addressed to their relatives and gradually confessing their descent into the hell of prostitution. This unrelenting film was awarded the Prix George Foundation for the best medium-length film. Meanwhile, the jury judging the section dedicated to Swiss documentaries awarded the Prix SRF-SSR to David Bernet und Bettina Borgfeld’s German-Swiss co-production Raising Resistance about the consequences of soy farming in Paraguay. Special Mentions were given by the Young Audience Jury to Levin Peter’s Sonor – a creative encounter between a film composer and a mute ballet dancer – and by the Interreligous Jury to Andreas Rump’s portrait of two men of faith, Sufi Sheik Ibrahim heading a mosque in Damascus and his “brother” Jihad who has retreated to a monastery in the Syrian desert, in Scheich Ibrahim, Bruder Jihad.
Crossing Europe, Linz (A)
Pia Marais’ At Ellen’s Age (Im Alter von Ellen) shared the Crossing Europe Award at this year’s Crossing Europe festival (April 12-17) in Linz with Spanish filmmaker Lluís Galter’s Caracremada. This was the first time in the history of the Crossing Europe festival that the main prize had been awarded ex aequo to two films.
Commenting on its choice of Marais’ film for the top award, the International Jury described At Ellen’s Age (reviewed in KINO 98) – as “the study of a character in crisis – and who is constantly adrift – that does not stick to the conventions of narrative filmmaking, and is magnificently served by a mesmerizing lead performance by Jeanne Balibar.”
Two new prizes were introduced for the 8th edition of Crossing Europe: the New Vision Award went to Serbian filmmaker Oleg Novkovic’s White White World, while the festival audience voted for Agnes Kocsis’ Adrienn Pal to receive the Audience Award. Meanwhile, the Crossing Europe Award – European Documentary – which included acquisition of TV rights by Austrian public broadcaster ORF – went to Into Eternity by Michael Madsen.
A total of 160 films from 35 countries were shown including a Dutch Tribute to Nanouk Leopold and her producer Stienette Bosklopper as well as a retrospective of Red Westerns from the former Soviet Union and Eastern Europe and showcases dedicated to the Sam Spiegel Film & Television School and Ljubljana’s Animateka Animation Film Festival (Ljubljana).
International Women’s Film Festival, Dortmund / Cologne (D)
In order to mark the 20th anniversary of the cooperation between Sparkasse Dortmund and the women’s film festival (April 12-17), the Dortmund Documentary Film Award was created this year to honour the oeuvre of a European documentary filmmaker who “has made an outstanding contribution to the formal language of the genre and to analysing the social topics of the time.” The award will be conferred every two years and was presented this April to German filmmaker Helga Reidemeister. “When viewing the life stories and destinies that fascinate her, Ms Reidemeister never loses focus of the social structures and political implications. In her view, the private is always political,” the festival said about the film director who has been making documentaries over the past 40 years such as The Bought Dream and War And Love In Kabul. Meanwhile, the International Feature Film Award went to Greek filmmaker Athina Rachel Tsangari for her film Attenberg, “a story of friendship, life’s joys and loss narrated with a distanced minimalism and splendid visuals.”
Achtung Berlin! New Berlin Film Award (D)
Teneriffa Exit screened in the Feature Film competition, courtesy Julia von Vietinghoff/Achtung Berlin!
There was no sign of the seven-year itch when festival directors Hajo Schäfer and Sebastian Brose unveiled this year’s edition of Achtung Berlin! (April 13-20) which once more gave ample proof of the richness of diversity of filmmaking “Made in Berlin-Brandenburg” with screenings of such films as Bernd Heiber’s Teneriffa Exit, Nick Baker-Monteys’Der Mann der über Autos sprang (The Man Who Jumped Cars), Ayse Polat’s Luks Glück (Luk’s Luck) and Marc Bauder’s Das System – Alles verstehen heißt alles verzeihen (The System). Verena S. Freytag’s Abgebrannt – about a young mother forced by her boyfriend to get involved in drug smuggling – won the new berlin film award in the Best Feature Film category, while the honours for Best Documentary went to Katja Fedulova for her film Glücksritterinnen (Ladies of Fortune) about the expectations invested in her generation by their Russian mothers. Andreas Kannengieser’s Vergiss dein Ende (Way Home) was awarded the Ecumenical Jury’s Prize donated by Bruderhilfe – Pax – Familienfürsorge. His graduation film from HFF „Konrad Wolf“ centres on a woman who begins a special relationship with her neighbour after spending four years caring for her husband suffering from dementia.
This edition of Achtung Berlin! also saw the introduction of the first prize by the German Film Critics Association (VDFK) which was presented this year to Tom Lass for his feature film debut Papa Gold.
Topics: Misc. | Comments Off on Roundup of April Festivals – from Nyon to Berlin
Alexey Balabanov’s A Stoker wins goEast’s Golden Lily
By Martin Blaney | April 19, 2011
Prize-winners of goEast 2011, courtesy Stefan Adrian/goEast
Russian director Alexey Balabanov’s A Stoker (Kochegar) was the top winner at this year’s goEast – Festival of Central and Eastern European Film in Wiesbaden. Thirteen is unlikely for some, but not for Balabanov’s 13th feature which received the festival’s main prize, the € 10,000 Golden Lily, as well as the international film critics’ FIPRESCI Prize. Balabanov had previously won the award for Best Director in Wiesbaden when his last feature Morphia was shown at goEast in 2009.
Moreover, it is the second year in a row that a Russian film has been awarded the FIPRESCI Prize after last year’s critics’ jury recognized Alexei Popogrebsky for How I Ended My Summer (Kak ya provel etim letom).
The International Jury, headed by veteran Serbian director Zelimir Zilnik and including Romanian actress Anamaria Marinca, Russian documentarist Vitaly Mansky, German distributor Torsten Frehse and the 2010 Golden Lily winner Levan Koghuashvili, awarded this year’s prize for Best Director to Romania’s Marian Crisan for his feature debut Morgen which had premiered in Locarno last summer.
goEast’s new festival director and artistic director Gaby Babic also announced that the German language broadcaster 3sat had also acquired the broadcast rights to Morgen to air the film in its schedule during the 2012 edition of goEast.
The “Remembrance and Future” Documentary Award went to Polish filmmaker Piotr Stasik for The Last Day Of Summer (Koniec Lata), while the Federal German Foreign Ministry’s Award recognizing “artistic originality that creates cultural diversity” was presented to Georgian director Alexander Kviria for his documentary Gorelovka about a rural community vanishing in southern Georgia.
Speaking during the awards ceremony, jury president Zilnik said that the decisions had been taken after “a long debate” and regretted that the jury could only bestow four awards and two special mentions (this year for Cristi Puiu’s Aurora – “one of those rare instances when content and form meet” – and Helena Trestiková’s documentary Katka). “East European cinematography is becoming richer in expression,” Zilnik concluded after having seen this year’s competition lineup.
2011 was the fifth year goEast served as the venue for the presentation of Stuttgart-based Robert Bosch Stiftung’s Co-Production Prize for joint short film productions by young German and Eastern European filmmakers.
15 nominated teams in the categories of animated film, documentary and short fiction had competed for production support of up to € 70,000 per project.
An expert jury including Romanian producer Ada Solomon, Sarajevo Film Festival director Mirsad Purivatra, Estonian animator Mait Laas, and Berlinale Talent Campus programme manager Matthijs Wouter Knol selected the German-Russian-Kosovo animation project Breaking News, the German-Hungarian documentary Roma Rally, and the German-Romanian short fiction Pepsi.
Previous Co-Production Prize winners include Paul Negoescu’s Renovation, Vuk Mitevski’s Alerik and Katya Suvoriva’s Seatomorrow.
In a new development, next year’s Co-Production Prize will also be open to filmmakers from the Black Sea and Caucasus region.
Babic’s first outing as goEast’s festival director and artistic director saw the screening of 127 films from 30 countries, including an homage dedicated to the Czech surrealist and filmmaker Jan Svankmajer and the introduction of a new sidebar Beyond Belonging which offered space to “interesting films made outside of Central and Eastern Europe yet possessing visible connections with the region.”
The new section focused this year on films exploring migration and exile such as Arielle Javitch’s English language film Look, Stranger, starring Anamaria Marinca and Tom Burke, and Katja Schupp and Hartmut Seifert’s The Magical Journey Of The Useless Things. “They deal with core questions: how are lives altered by migration, how can the experience and history of migration be recounted on film?,” Babic explained.
More information on the festival and the prize-winners can be found at www.filmfestival- goeast.de
Topics: Misc. | Comments Off on Alexey Balabanov’s A Stoker wins goEast’s Golden Lily
Alex Leo Şerban (1959 – 2011)
By Martin Blaney | April 19, 2011
Alex Leo Serban, courtesy TIFF
Whilst attending this year’s goEast festival, the sad news reached us that the Romanian film critic Alex Leo Şerban had passed away on April 8th at the age of 51 after battling with cancer.
Şerban was a well known and popular figure on the international festival circuit , regularly attending the festivals in Berlin, Cannes, Venice, Clermont-Ferrand and Thessaloniki and sitting on FIPRESCI juries as well as curating special film programmes and conferences at home and abroad.
Apart from writing film columns for publications as diverse as the Bucharest weekly Dilema Veche, the daily newspapers Libertatea and ID and contributing to Cahiers du Cinema and Film Comment, Leo collaborated with Stefan Balan and Mihai Chirilov on a book in 2004 about Lars von Trier, The Films, The Women, The Ghosts, which won the Romanian Film Critics Association Prize, and also wrote Why Do We Watch Films in 2006 which received the Filmmakers Union Prize for best book on cinema.
In January 2008 he was voted through a public poll on the most important domestic cinema portal www.cinemagia.ro as The Favourite Film Critic of Romanian Film Lovers. The same year had also seen him become the first beneficiary of the Grand Prize for Cultural Journalism awarded by Fundatia Timpul.
Leo also translated essays, poems, short stories and novels by authors such as W.H. Auden, Jean Baudrillard, Samuel Beckett, Paul Bowles, Don DeLillo, Benoît Duteurtre, Mathieu Lindon, Vladimir Nabokov, Susan Sontag, Paul Bowles, Yasmina Reza or Martin Sherman.
In 2009, Romanian screenwriter Anca Yvette Grădinariu wrote about Şerban: “It rarely happens for a film critic to become a star – even less in Romania, where the cinema is almost ignored (there is not a single specialized publication) – however, ALŞ became a brand.”
“He is a person of the world, a spiritual dandy, alive, funny, who loves without discrimination both the arty and the genre type film and who seems to have a very whole existence besides – one that is exciting, glamorous, which many would kill for,” she said.
Last year, Leo was one of the contributing editors to the Transilvania International Film Festival’s special publication on The New Romanian Cinema, produced in collaboration with the Romanian Cultural Institute.
In an essay on the New Romanian New Wave, he observed: “Regardless of pros and cons, for or against, one thing is certain: this ‘New Wave’ of Romanian film (which isn’t cutting any slack to Romania’s self perception) is the best export seller of all arts, and the main politician (with no political party to support it) representing our country. Fortunately, the film buffs vote for it.”
The forthcoming Transilvania International Film Festival (TIFF) in June is planning some events in his memory since his friendship and support towards the festival had “a huge contribution in TIFF’s emergence on the national and international stage.” Leo had been a member of the TIFF jury at its second edition in 2003 and was a beloved guest of the festival. He will be much missed by the festival and the Romanian film community.
Topics: Misc. | Comments Off on Alex Leo Şerban (1959 – 2011)
Vincent Wants To Sea wins gold at German Film Awards
By Martin Blaney | April 11, 2011
Wolfgang Kohlhaase received the Honorary Award, courtesy Deutsche Filmakademie/Michael Tinnefeld
Ralf Huettner’s Vincent Wants To Sea (Vincent will Meer) picked up the Golden Lola for Best Feature Film at this year’s German Film Awards in Berlin.
The feelgood comedy about a young man with Tourette’s syndrome, which had been written by actor Florian David Fitz, also attracted the Lola for Best Leading Actor for Fitz who is now preparing his directorial debut Jesus Liebt Mich for UFA Cinema to begin shooting in May. A review of the film by Tanja Meding appeared in KINO – German Film, No. 98 last autumn.
Other popular winners included three films which had their world premieres during this year’s Berlinale in the Official Competition.
Wim Wenders’ 3D dance documentary Pina took home the Lola for Best Documentary, while Andres Veiel’s fiction feature debut If Not Us, Who (Wer wenn nicht wir) received the Bronze Lola for Best Film. In addition, members of the German Film Academy voted to give Yasemin Samdereli’s comedy Almanya(Almanya – Willkommen in Deutschland) the Lola for Best Screenplay and the Silver Lola for Best Feature Film.
Meanwhile, Tom Tykwer’s Three (Drei), which had been this year’s big favourite with six Lola nominations, ended the evening with three trophies: for Best Direction, Best Editing (Mathilde Bonnefoy) and Best Leading Actress (for Sophie Rois). Reviews of Tykwer’s love triangle with a difference can be found in KINO – German Film Nos. 98 and 99.
Although not nominated for the Best Feature Film category, Chris Kraus’ historical drama The Poll Diaries(Poll) set on the eve of the First World War nevertheless continued its successful spate of awards at home and abroad by receiving four of the craft Lolas – for Best Supporting Actor (Richy Müller), Best Cinematography (Daniela Knapp), Best Costume Design (Gioia Raspé) and Best Production Design (Silke Buhr).
Another of the recent international festival favourites, Florian Cossen’s feature debut The Day I Was Not Born (Das Lied in mir) was recognized with Lolas for Best Music Score and Best Supporting Actress, the latter distinction being accepted in person by Argentinian actress Beatriz Spelzini who had made the long journey to Berlin for the awards ceremony.
Meanwhile, Arne Birkenstock’s Chandani und ihr Elefant beat off daunting competition from the 3D animation film Animals United (Konferenz der Tiere) to win the Lola for Best Children’s Film.
A particularly emotional highlight was the presentation of the German Film Academy’s Honorary Award to the veteran screenwriter Wolfgang Kohlhaase who was joined on stage by four actors – Nadja Uhl, Renate Krössner, Andreas Schmidt and Henry Hübchen -– who had appeared in films such as Solo Sunny andSummer In Berlin based on screenplays penned by Kohlhaase.
In his speech of thanks, the 80-year-old described screenplays as a mixture between “poetry and instruction manual” and said that he “always tries to consider the audience as neighbours who I don’t want to bore.”
With hardly two months having passed since the untimely passing of Bernd Eichinger in Los Angeles in January, the loss for the German cinema was palpable during the awards ceremony.
In his speech, minister Neumann recalled how Eichinger had been “visibly moved” on being presented with the Honorary Award last year. “At the time, I thought this is actually much too early because his life’s work seemed to be far from being finished,” Neumann said.
Now, in retrospect, Neumann said that he was pleased that the German film community had been able to celebrate “the dauntless and sensitive exceptional producer with his burning passion for German cinema”
Later in the ceremony, Iris Berben, joint president of the German Film Academy, announced that a newLola prize category would be introduced from 2012 with the creation of the Bernd Eichinger Prize to be voted on by all of the Academy’s 1,200-strong membership.
Initiated by his widow Katja and daughter Nina, the prize will be presented every three years and aims to “honour personalities or teams whose work is distinguished by creative and passionate interaction.”
Celebrating its 61st jubilee this year, the German film industry’s annual bash – which sees more than € 2.85m in prize-money being distributed to 16 prize categories – was held in Berlin’s Friedrichstadtpalast before an audience of 1,800 guests, including State Minister for Culture Bernd Neumann, boxing champion Vladimir Klitschko, producers Artur “Atze” Brauner, Martin Moszkowicz, Maria Köpf, Rainer Kölmel, actors Heike Makatsch, Karoline Herfurth, Henry Hübchen, Christiane Paul, and Sibel Kekilli, directors Tom Tykwer, Wim Wenders, Detlev Buck, Marco Kreuzpaintner and Oskar Röhler.
The complete list of prize-winners can be found at www.deutscherfilmpreis.de.
Topics: Misc. | Comments Off on Vincent Wants To Sea wins gold at German Film Awards
Berlinale 61
By Dorothea Holloway | March 31, 2011
Ein Auftakt mit politischem Gewicht: Bevor die Internationale Jury vorgestellt wurde, brachte Dieter Kosslick einen leeren Stuhl auf die Bühne mit einem Schild auf dem der Name Jafar Panahi stand. Der iranische Filmemacher, sein Offside wurde 2006 auf der Berlinale mit einem Silbernen Bären ausgezeichnet, ein Mitglied der Jury, durfte sein Land nicht verlassen. Der Stuhl blieb leer bis zum Schluss. Das Werk des Filmmaker of the World war täglich präsent: in den Sektionen der Berlinale liefen seine Filme. Isabella Rossellini, die Jury-Präsidentin, verlas einen offenen Brief von Jafar Panahi, in dem der Künstler u. a. schrieb: “In der Welt eines Filmemachers fließen Traum und Realität ineinander. Der Filmemacher nutzt die Wirklichkeit als Inspirationsquelle, er zeichnet sie in den Farben seiner Vorstellungskraft. Damit schafft er eimen Film, der seine Hoffnungen und Träume in die sichtbare Welt trägt.”
Seit zehn Jahren ist Dieter Kosslick und sein fabelhaftes und so freundliches Team für die Berlinale verantwortlich, und wird vom Publikum geradezu begeistert akzeptiert. Allmorgendlich gibt es lange Schlangen geduldiger Berliner, die manchmal Stunden ausharren, um Kinokarten zu ergattern aus einem Angebot, das oft ernsthafte und politische Themen behandelt. Die Filmfestspiele beleben geradezu den ziemlich tristen Berliner Februar. Das Herzzentrum der Berlinale ist der Potzdamer Platz, wo Dieter Kosslick die Gäste begrüßt und die Filmfans stundenlang auf die Stars aus aller Welt warten. Natürlich gibt es auch Filme über Kultur, über Kunst, über Kulinarik und auch Krimi und Klamauk. Der Europäische Filmmarkt hat sich bestens etabliert; Beki Probst ist zufrieden.
Ich kenne Gäste, die von weither anreisen, um der Retrospektive willen; dieses Jahr war sie Ingmar Bergman gewidmet, oder um das vielseitige Panorama-Programm zu genießen. Die Deutschen lieben den Western! Natürlich ist John Wayn einsame Spitze. Aber was die Coen-Brothers machen ist auch einsame Spitze. Also hatte die Berlinale mit True Grit als Eröffnungsfilm genau “ins Schwarze getroffen”. Als beim Oberhausener Filmfestival 1965 die Retrospektive Der Amerikanische Western 1903-1961 gezeigt wurde, stürmte das Publikum ins Kino. So erfolgreich ist in Oberhausen nie mehr eine Retrospektive gewesen.
Welcher gehörte zu den schönsten Filme? Une Vie de Chat (A Cat in Paris) von Alain Gagnol und Jean-Loup Filicioni in der Sektion Generation Kplus. Fast schwebt der Kater Dino über die Dächer von Paris. Wer da mitschweben dürfte! Auf diesen meisterlichen Animationsfilm hatte mich mein Freund Rolf Giesen aufmerksam gemacht. Gott sei Dank! So klar und fantasievoll gezeichnet ist der Film – fast elegant. Ich fragte ein Kind: “Der Zeichentrickfilm ist lustig und die Geschichte ist spannend,” war die Antwort. Nicht alle Beiträge von Kplus habe ich gesehen. Was ich sah, fand ich sehr gut. Zum Beispiel The Bad Intentions von Rosario Garcia-Montero und The Strongest Man in Holland von Mark de Cloe. Auch in Generation 14plus gab es einen Film, den ich nie vergessen werde: Under The Hawthorn Tree von Zhang Yimou. Seit 1987 als Zhang Yimou in Berlin für sein Rotes Kornfeld mit dem Goldenen Bären ausgezeichnet wurde, liebe ich diesen Regisseur. In Tokio habe ich Zhang Yimou kennen gelernt, er war dort in der Jury mit Ron zusammen; ich durfte Ron nach Tokio begleiten.
Der Wettbewerb der Berlinale wurde mit von JC Chandor, seinem Debut als Spielfilmregisseur, eröffnet. Uns “Unwissende” wird vorgeführt, was so alles in einer Investmentbank an der New Yorker Wall Street an Rätselhaftem und Kuriosem geredet und manipuliert wird, bevor es zur weltweiten Finanzkrise kommt. Zu bewundern sind die Schauspieler, mit welcher Professionalität sie die feinen Broker und die gewieften Händler, die vor allem rechnen können, verkörpern. Alle sind in größter Bredouille, nachdem ein fürchterlicher, strategischer Fehler der Bank entdeckt wird. Es kommt zur nächtlichen Krisensitzung, zu der der Bankchef – Jeremy Irons – mit dem Helikopter eingeflogen wird. Alles hat ein tolles Tempo.
Coriolanus in der Regie von Ralph Fiennes nach William Shakespeare: der Dichter und Schauspieler – eine einmalige Doppelbegabung – hat seine Werke auch – oder vor allem – für Schauspieler geschrieben. Ganz klar also: Wenn Ralph Fiennes – bewundert als Shakespeare-Darsteller – nun als Regisseur den Coriolanus auf die Leinwand bringt, dann übernimmt er auch gleich die tragische Hauprolle. Fiennes – stolz, aufbrausend, hochmütig – ist grandios als Caius Martius, dem für seine Tapferkeit beim Kampf um die Stadt Corioli, der Heldenname Coriolianus verliehen wurde. Das Ensemble in diesem Rom-Drama ist Weltklasse. Um nur zwei Schauspieler zu nennen: Gerard Butler als Tullus Aufidius, der Gegner von Coriolanus, und Vanessa Redgrave als Volumnia, Coriolanus’ Mutter. Ein Volksaufstand – die Menschen leiden Hunger – wird mit kriegerischer Brutalität niedergeschlagen. Die brisante Parallele zu heute wird evident. Das ist auch die Intention des Schauspieler/Regisseurs Ralph Fiennes. Coriolanus hat deutsche Untertitel, die ich anfangs brav mitgelesen habe. Ich Narr! Nach wenigen Minuten konzentrierte ich mich, der Sprache Shakespeares lauschend – von grandiosen Könnern hochmeisterlich gesprochen.
Entwicklungshilfe? Hat diese Hilfe wirklich Gutes vermocht? Was weiß ich von Afrika? Und nun wird im Wettbewerb Schlafkrankheit von Ulrich Köhler gezeigt. Köhler lebte bis er neun Jahre alt war mit seinen Eltern in Zaire, die dort – heute Demokratische Republik Kongo – als Entwicklungshelfer arbeiteten. Als Heranwachsender lebte Köhler nicht in Afrika; er studierte u. a. in Frankreich und Hamburg und machte zwei ausgezeichnete Spielfilme: Bungalow von 2002 (siehe auch KINO 78 von 2003, in dem Ron darüber geschrieben hat) und Montag kommen die Fenster von 2006. Schlafkrankheit hat Köhler nun in Kamerun gedreht zum Teil in der Buschklinik, wo seine Eltern jetzt arbeiten. Der Arzt Ebbo Velten betreute in Kamerun das Projekt Schlafkrankheit, anscheinend mit Erfolg, denn in dem ganzen Krankenhaus gibt es nur noch einen Kranken. Köhler kennt die Szene. Nun soll es wieder nach Deutschland gehen. Aber Ebbo, obwohl es scheint, er ist “burnt out”, will nicht, er kann nicht. Ist er Afrika verfallen? Er ist allein. Frau und Tochter leben in Wetzlar. Die Wohnung ist ausgeräumt. Ebbo telefoniert mit seiner Frau. Er weint, sie kann das nicht sehen. Alex, ein Arzt aus Paris, kommt nach Kamerun ins Buschkrankenhaus. Er soll mal nachsehen, was aus dem Projekt Bekämpfung der Schlafkrankheit geworden ist. Alex scheint genau der Richtige. Seine Eltern stammen aus Kamerun, er ist ein Schwarzer. Aber, aber: Alex ist Franzose durch und durch! Er findet sich im dunklen Kontinent absolut nicht zurecht. Die Fahrt vom Flugplatz zum Krankenhaus in tiefschwarzer Nacht, kein Mond, keine Straßenbeleuchtung … Selbst dem Zuschauer im Kinosessel wird es mulmig. Wie hat die Kamera (Patrick Orth) das so genial eingefangen? Zwei Schicksale von fast rätselhafter Absurdität hat Ulrich Köhler verknüpft: der weiße Europäer bleibt in Afrika “hängen”; der schwarze Franzose kommt in Afrika einfach nicht klar. Fragen über Fragen, und doch habe ich etwas dazu gelernt. Jedenfalls hat Köhler für die beiden Männer überzeugende Darsteller gefunden: Pierre Bokma ist Ebbo Velten und Jean-Christophe Folly ist Alex Nzila. Der Silberne Bär für die Beste Regie wurde Ulrich Köhler für Schlafkrankheit verliehen.
Mit Almanya – Willkommen in Deutschland der Geschwister Yasemin und Nesrin Samdereli ist etwas ganz Seltenes gelungen: die Geschichte einer türkischen Familie in Deutschland ganz heiter zu erzählen, ganz locker, ein bißchen turbulent, auch komisch, und zum Ende nachdenklich und ernst. Im Jahre 1964 wurde in Köln der 1.000.000 Gastarbeiter begrüßt; er bekam ein Moped. Der Mann hinter dem Beschenkten – so wollen es die Schwestern Samdereli – war Hüseyin Yilmaz aus Anatolien. Heute ist er stolzer Patron einer türkischen Großfamilie. Alle hat er zusammengerufen zum gemeinsamen Mahl. Da fragt der sechsjährige Enkel Cenk: “Bin ich nun Türke oder bin ich Deutscher?” Er fragt auf Deutsch, Türkisch hat der Enkel nicht mehr gelernt. Seine Mutter ist Deutsche, sein Vater Türke. Auch Cousine Canan hat ein Problem. Sie ist schwanger. Der Freund ist kein Türke, nicht mal ein Deutscher! Er ist Engländer, na so eine Überraschung! Großmutter strahlt, sie hat endlich einen deutschen Pass. Großvater hat in Anatolien ein Haus gekauft – in Deutschland hat er bereits ein eigenes Haus. Nun hat er die Familie zusammen getrommelt und verkündet, dass alle nun im Kleinbus in die Türkei zuckeln, um das neu erworbene Haus an Ort und Stelle zu bewundern. Die Tafelrunde ist nicht begeisert. Gerade die Jungen möchten neue – moderne – Lebensentwürfe ausprobieren und nicht mehr brauchbare Traditionen vielleicht vergessen machen. Eine wunderbar rührende Szene: Die Eltern wollen den Kindern eine Art Weihnachten gestalten. Der Tannenbaum ist ein kümmerlicher Zweig in einer Flasche, die Geschenke sind nicht verpackt. 2004 war Alles auf Zucker unser Film of the Year (siehe KINO 83 aus dem Jahre 2005). Was dieser fabelhaften Komödie für die deutsch-jüdische Gegenwart leistete, das gelingt den Schwestern Samdereli für das deustch-türkische Zusammenleben.
Schon wieder eine Woche vorbei, die uns nur tragische Nachrichten von der verheerenden Tsunami-Katastrophe in Japan brachte. Ich muss diese schrecklichen Bilder ausblenden, denn ich will von heiteren Bildern berichten: So z. B. vom Kampf der Königinnen, dem hinreißenden Dokumentarfilm von Nicolaus Steiner in Programm von Perspektive Deutsches Kino. Die Königinnen sind Kühe, die nach alter Väter Sitte vor allem in der Süd-Schweiz miteinander kämpfen. Es ist jedoch mehr ein Schubsen und Stoßen, es gibt keine Verletzungen. Die “Kampfkuh”, die zuerst zurückweicht, hat verloren. Die Siegerin wird dann königlich geschmückt und leitet die Herde, wenn’s auf die Alm geht. Die Wettkämpfe – in Schwarz-weiß gedreht (fabelhafte Kamera: Markus Nestroy) – haben also eine tiefere Bedeutung. Nicolaus Steiner beobachtet einen Bauern, der seine Kampfkuh trainiert, begleitet einen jungen Journalisten, der seine erste Reportage zu machen hat, […] Treibens, das zum Volksfest geworden ist und sogar Touristen anzieht – und nicht nur junge Bauern, die nach hübschen Bäuerinnen/Züchterinnen Ausschau halten. Zum Volksfest gehört Musik – und die ist ganz speziell. Schon wegen dieser Jodler, dem Gesang und der Alphörner möchte ich diesen Film gerne noch einmal sehen und hören. Musik: John Gürtler und Jan Miserre. Ich bin gespannt auf die nächste Arbeit von Nicolaus Steiner. Kampf der Königinnen – wohl der heiterste Beitrag der Sektion – wurde von der Filmakademie Baden-Württemberg produziert.
“Das Leben ist kein Gang durchs Feld”, könnte als etwas bittere Erkenntnis das Motto für das durchdachte Programm der Perspektive Deutsches Kino sein. Sicher, Unterhaltsamkeit ist wichtig, aber ich glaube, Linda Söffker und ihrem Team geht es mehr um Aufklärung und Nachdenklichkeit. Was erwartet und wie meistert ein Architekt so in den Dreißigern die Sanierung einer Plattenbausiedlung in einer Thüringer Kleinstadt, wo er als Kind einst selber wohnte? Der Spielfilm Der Preis von Elke Hauck (Regie und Drehbuchmitarbeit) handelt hiervon. Annekatrin Hendel (Regie und Buch) gelingt es mit ihrem Dokumentarfilm Vaterlandsverräter einen “inoffiziellen Mitarbeiter” der DDR-Staatssicherheit zu befragen, der sich nach zwanzig Jahren selbst enttarnt hat. Was gilt: Einmal Stasi, immer Stasi!? der immer noch überzeugte Kommunist (?), ein Schriftsteller um die Siebzig, ist ein Täter – aber auch ein Opfer?
Anna Hepp (Buch, Regie, Kamera und Schnitt) hat für Rotkraut und Blaukraut einen Monat lang zwei Familien mit der Kamera begleitet: eine deutsch-türkische, eine türkisch-deutsche […] bauen zwischen verschiedenen Kulturen. Der Dokumentarfilm (60 Minuten) ist im Ruhrgebiert entstanden, wo es schon immer “Völkervermischung gegeben hat; aus allen Himmelsrichtungen zog es die Menschen an den Rhein und es entstand ein froher Menschenschlag mit robustem Ruhrgebietshumor.” So spricht – und es hat mich tief beeindruckt und ich werde es nie vergessen – Curd Jürgens als “Des Teufels General” in der gleichnamigen Carl-Zuckmayer-Verfilmung zu einem jungen Offizier. Anna Hepp studierte Pädagogik und Philosophie, machte eine Ausbildung zur Fotografin und 2009 ihr Diplom im Bereich Film und Kunst an der Kunsthochschule für Medien Köln. Auf das Poträt Hilmar Hoffmans, an dem sie zur Zeit arbeitet, bin ich gespannt. [ 1979 erschien von Ronald und Dorothea Holloway das Buch O is for Oberhausen – Wege zum Nachbarn.]
Der Spielfilm (85 Minuten) von Dirk Lütter Die Ausbildung hat mich wirklich betroffen gemacht! Da wird ein zwanzigjähriger Azubi vom Chef beauftragt Kollegen zu beobachten und […] zu melden! Der Auszubildende wird also zum Spitzel ausgebildet. Was gibt es für Machenschaften! Ein wichtiger Film, ruhig und unaufgeregt. Nur ich rege mich auf über solche “Ausbildung”.
Fast gebetsmühlenartig wird uns eingetrichtert, dass wir alle älter werden und hinfällig – dass es aber an Pflegekräften fehlen wird. Im Kurzspielfilm Eisblumen von Susan Gordanshekan (Regie und Buch) pflegt ein Illegaler – ein junger Bosnier– eine schwer kranke, deutsche alte Frau.das geht! wir hoffen – aber vergeblich. Sie kommt ins Altenheim, er wird abgeschoben.
Die starken, völlig lamoyanzfreien Dokumentationen dieser Perspektive Deutsches Kino machen nachdenklich. So aber auch mit dem Kurzspielfilm Weißt Du eigentlich, dass ganz viele Blumen blühen im Park von Lothar Herzog sowie mit dem Spielfilm Lollipop Monster von Ziska Riemann (Buch und Regie) in Zusammenarbeit mit Lucy van Org (Buch). Die Freundinnen Ari and Oona versuchen mit ihrem Leben klar zu kommen. Sie taumeln in Ratlosigkeit. Oona melancholisch, Ari superbunt, […] gegenseitig zu helfen. Sie suchen natürlich das Wahre und leiden an der Verlogenheit der Eltern, die überfordert sind. Für die Jungen gibt es keine Vorbilder! Dies sit auch in anderen Filmen ein wichtiges Thema.Mit Recht wurde Julia Brandes für das Kostümbild in Lollipop Monster mit dem Femina-Filmpreis ausgezeichnet.
Wie in Cannes 2010 (siehe KINO 98) waren koreanische Filme auch bei der 61. Berlinale anspruchsvoll vertreten. Zehn Beiträge liefen in Berlin, darunter einer im Wettbewerb: Kommt Regen, kommt Sonnenschein, der zweite Spielfilm von Lee Yon-Ki, dessen beachtliches Erstlingswerk This Charming Girl im Forum gelaufen ist. In letzter Zeit – vor allem in westlichen Gesellschaften – werden in den Filmen oft die Probleme der Dreißig- bis Vierzigjährigen behandelt, die eigentlich alles haben: gute Ausbildung, gute Berufe, gutes Auskommen. Doch das Wichtigste fehlt: der Sinn des lebens. Diese “Ichlinge” sind innerlich leer! Für was können sie sich noch engagieren? Fürs Kochen oder für Tiere: Katzen oder Hunde. Lee Yon-Ki zeigt ein Paar – sie wohnen schön und geräumig –, das sich nichts mehr zu sagen hat. Als sie dann doch einmal den Mund aufmacht, sagt sie ihm ganz leidenschaftslos, dass sie ihn verlassen wird. Draußen regnet es, es regnet — ein Katze läuft ihnen zu. Na, nun haben die beiden etwas Gemeinsames … Fürchterlich; ich kenne auch hier in Deutschland Menschen, die sich mehr um Katzen oder Hunde kümmern als um Menschen. Kommt Regen, kommt Sonnenschein werde ich so schnell nicht vergessen.
So geht es mir auch mit The Future von Miranda July. wieder geht es um ein Paar, so um die fünfunddreißig. Wieder ist eine Katze mit im Spiel: Sie spricht von der Leinwand herab zu den Zuschauern mit der Stimme von Miranda July, die für Buch und Regie verantwortlich zeichnet und auch die weibliche Hauptrolle spielt: Sophie lebt seit einigen Jahren mit Jason (Harmish Linklater) in den gemeinsamen Alltag hinein. Alles fein, alles OK! Oder doch nicht? Jason, Computerfachman, Sophie, Ballettlehrerin — Torschlusspanik! Es muss doch noch etwas geben, bevor wir vierzig sind, dann fünfzig … Also, wie wird die Zukunft sein? The Future. Ein tiefschürfendes Thema mit leichter Hand erzählt von einer Frau. die beinahe alles kann: Sie ist Schauspielerin, Schriftstellerin, Muikerin, führt Regie. 2005 ist Miranda July in Cannes für Me and You and Everone We Know mit dem Preis Caméra d’Or ausgezeichnet worden.
Eine alarmierende Meldung aus Japan: In Fukushima ist der Super-GAU: Störfall Stufe 7 – das ist die gleiche Gefährdungslage wie vor fünfundzwanzig Jahren in Tschernobyl. In Japan tickt eine Zeitbombe.
Im Wettbewerb lief das Drama Innocent Saturday (An einem Samstag) von Alexander Mindadze, de im April 1986 von einem jungen Schlagzeuger, Valerij Kabysh, berichtet, der ein loyaler Parteifunktionär ist. Valerij ist der erste, der in der Nachbarschaft einen Atomreaktor brennen sieht – Tschernobyl! Valerij rennt in die nahegelegene Stadt Prybjat, um die Bevölkerung zu warnen. Aber es ist ja solch ein schöner Sonnabend, Frühling. Ein Freund feiert seine Hochzeit … So soll es gewesen sein. Ein GAU ist nie zu Ende. Es war geplant An einem Samstag zum 25. Jahrestag der Tschernobyl-Katastrophe am 26. April in die Kinos zu bringen. Das Drama sollte auch zu Vorführungen in Schulklassen freigegeben werden.
In Berlin gibt es zwei Ausstellungen, die ich unbedingt erwähnen muss: Im Willy-Brandt-Haus in Kreuzberg Verlorenen Orte – Gebrochene Biographien und in der Heinrich-Böll-Stiftung Die Straße der Enthusiasten. In beiden Ausstellungen geht es um die Katastrophe in Tschernobyl.
Auf dem Achtung Berlin! Festival lief der Kurzfilm von Markus Schwenzel Seven Years of Winter, in dem ein Neunjähriger zum Plündern in die Todeszone von Tschnobyl geschickt wird.
[…] Programms macht, dass ich keinen film auslassen möchte. Ich nenne jetzt lauter Lieblingsfilme: Vor allem Britta Wauers (eine Grimme-Preisträgerin) Dokumentarfilm Im Himmel unter der Erde über den jüdischen Friedhof in Berlin-Weißensee. Wenn Ron Besuch von Freunden aus den USA zu Besuch hatte, ging’s natürlich immer zum Brandenburger Tor, Dann nach Postdam zum Schloss Sanssouci und danach zum Friedhof nach Weißensee.
Als Fan von Rosa von Praunheim habe ich mit Interesse auch auch Traurigkeit seine Doku Die Jungs vom Bahnhof Zoo gesehen. Die Jungs sind jetzt Männer, die noch immer unter den fürchterlichen Erlebnissen leiden, die ihnen als Kinder in diese gefährlichen Subkultur angetan wurden. Zitat: “We früh in die Stricherszene kommt, verliert die beste Zeit seines Lebens.” Was mich so tief betroffen macht, das Thema ist ja nicht Geschichte – es existiert! 16. April 2011: Die Staatsanwaltschaft wirft Berlinern Menschenhandel und sexuelle Ausbeutung von Kindern vor.
Auch anspruchsvolle Porträts hatte Wireland Speck im Panorama. Cyril Tuschi ist tatsächlich der Erste, dem es gelungen ist, Mikhail Khodorkovsky vor der Kamera zu befragen. Der inhaftierte russischen Ex-Oligarchen ist alledings hinter Glas im Gerichtssaal – und bleibt ein rätselhafter Mensch. Er lächelt, scheint ungebrochen. Durch den Fall Khodorkovsky möchte man mehr erfahren – was ist los im Neuen Russland?
Ein absolutes Muss ist der Dokumentarfilm von Elfie Mikesch Mondo Lux – Die Bilderwelt des Werner Schroeter. Das Buch ist ebe von ebenfalls von Mikesch und sie war natürlich auch hinter der Kamera. Die bieden einmaligen Künstler hatten gerade zueinander gefunden, nur Elfie MIkesch konnte Schroeter so feinfühlig beobachten, seine letzten Lebensjahre voller Tatendrang, voller Ideen, voller Intensität. — Kollegen kommen zu Wort und Ausschnitte aus Schroeters Werken belegen seine Einmaligkeit. Werner Schroeter starb am 12 april 2010.
Fukushima wird dauerhaft zur Sperrzone. Tokio will ehemalige Anwohnern das Betreten verbieten.
Der Dokumentarfilm über Rolf Eden von Peter Dörfler (Buch, Regie, Kamera und Schnitt) The Big Eden erhielt im Panorama viel und herzlichen Beifall. Jeder weiß, zumal in Berlin, Rolf Eden ist der l e t z t e, w a h r e, w i r k l i c h e Playboy in Deutschland! Peter Dörfler (gelernter Kamaramann) gelang es, von diesem 81jährigen Lebenskünstler nicht nur ein unterhaltsames, sondern auch ein sehr symphatisches und beeindruckendes Porträt zu entwerfen. Rolf Edens jüdische Familie wandert 1933 nach Haifa aus. 1952 arbeitet Eden in Paris als Kellner, Taxifahrer, als Barpianist. 1957 eröffnet Rolf Eden seinen ersten Jazzclub, den “Old Eden Saloon” in Berlin. Er veranstaltet die erste Misswahl und bekommt auch beim Film zu tun – in ca. dreißig Rollen! Seit 1967 gibt es am Ku’damm das “Big Eden”. In diesem einmaligen Club “trifft sich die Welt”. 2002 verkauft Eden das “Big Eden”. Zur Premiere im Kino International kommt er im schwarzen Rolls-Royce, eine bildschöne Blondine am Arm; die ist jünger als seine Enkelin. Rolf Eden hat sechs Söhne und eine Tochter von sieben Frauen. Seine Präsenz ist beeindruckend. Ich mag ihn – und er mag sich!
Ich war noch nie in Irland, aber ich bin sicher, die Menschen dort würden mir gefallen. So ging es doch auch Heinrich Böll; er schrieb die Erzählung Irisches Tagebuch (1957). In Irland gibt’s noch richtige Originale und Sergant Gerry Boyle – großartig verkörpert mit zerknittertem Gesicht von Brendan Gleeson Er hat so viel “Probleme am Hals”, dass er sich als Provinzpolizist nicht auch noch um einen Toten kümmern kann, der in einer Ferienwohnung gefunden wurde. Aber – da taucht ein FBI-Agent auf, Don Cheadle, so fabelhaft dargestellt wie alle in The Guard in der Regie von John Michael Mc Donagh (Irland/Großbritannien/Argentinien). Er kündigt einen 500-Millionen-Dollar-Drogentransport an. Na, nun geht’s los – und unser Cop wird hellwach! Es ist Ostersonntag.Ich stelle ARD Fernsehen an, um die Tagesschau zu sehen: Da läuft ein deutscher Spielfilm mit Heinz Rühmann. Das schwarze Schaf von1960 in der Regie von Helmut Ashley. Ich bleibe dran. Mein Vorschlag: The Guard undDas schwarze Schaf als spezielles Doppelfeature zu präsentieren. Beides sind Krimikomödien, beide spielen in Irland und die Klasseschauspieler, neben Rühmann u. a. noch Karl Schönböck und Siegfried Lowitz stammen alle aus Irland.
Leiden darf nicht verdrängt werden. In Alabanien kommt es vor, dass Menschen immer noch unter der Blutrache zu leiden haben. Das schildert Joshua Marston in The Forgiveness of Blood. Das macht den Beitrag im Wettbewerb so wichtig. Der US-Filmemacher schrieb das sorgfältig gearbeitete Drehbuch gemeinsam mit dem Albaner Andamion Murataj. Traditionen wie die Blutrache, die sich überlebt haben, ja, die Leben vernichten, sollten im 21.Jahrhundert schnellstens abgeschafft werden!
Ron hat die Dokumentarfilme von Andres Veiel sehr geschätzt. Black Box BRD war für KINO – German Film 76 Film of the Year 2001. Die Spielwütigen (Addicted to Acting) von Andres Veiel war KINO-Documentary Film of the Year (siehe KINO-German Film 83 von 2005). In Wer wenn nicht wir treffen sich Bernward Vesper und Gudrun Ensslin Anfang der Sechziger in Tübingen. Den politischen Aufbruch dieser beiden “Bürgerkinder” verfolgt Veiel dann etwa 10 Jahre. Gudrun verläßt Bernward, “verfällt” Andreas Baader und geht in den bewaffneten Untergrund. Bernward nimmt Drogen, wird krank, schreibt seinen Roman Die Reise, der nicht vollendet wurde. In einer Klinik in Hamburg nimmt sich Bernward Vesper 1971 das Leben. Von Markus Imhoof gibt es nach Motiven dieses Romans den Film Die Reise (The Journey), siehe KINO German-Film Nr.23 von 1986.
Der sehr schöne Film aus Frankreich Tomboy (Buch und Regie: Celine Sciamma) mit der bezaubernden Zoe Heran. Sie ist Laure und Mikael. Der Film lief sowohl im Panorama als auch in Generation Kplus. Und mit Recht. In Tomboy, mehr sensible Komödie als “Problemfilm”, geht es um die Problematik “Bin ich Junge – bin ich Mädchen?” Laure möchte Mikael sein. Es gelingt ihr erstaunlich; sie spielt toll Fußball — a b e r — Ich musste an Rosalinde denken, die sich in Shakespeares Wie es euch gefällt als Ganymed ausgibt.
Nadar and Simin, A Separation von Asghar Faradi. Um über diesen meisterlichen und preisgekrönten Film aus dem Iran zu berichten, kann ich nur wiederholen, was Martin Blaney in “Berlinale Bulletin” (KINO 100, S. 4) schrieb: “The family drama had been a hot favourite for the top honours from the moment of its international premiere in the Competition halfway through the Berlinale. It was warmly received by both critics and audiences.” Nadar und Simin stehen vor dem Scheidungsrichter. Eine alltägliche Geschichte, das geschieht überall auf der Welt. Aber wie Farhadi uns das nahe bringt, warum Simin, die Ehefrau, das Land verlassen will – mit der Tochter – und wie Ehemann Nadar darauf besteht, dass die Tochter bei ihm in Teheran bleibt – denn er will seinen kranken Vater nicht verlassen – das macht uns nachdenklich, mitfühlend und betroffen. Simin zieht aus der gemeinsamen Wohnung in Teheran aus. Nadar engagiert für den Vater die Pflegerin Razieh; sie ist schwanger, braucht Geld. Der Ehemann darf nichts davon wissen. Als Razieh den kranken Mann waschen muss, ruft sie eine Hotline für religiöse Fragen an … Ja, sie darf als weibliche Pflegerin den kranken Mann waschen. Aber es wird noch komplizierter, tragischer. Nadar und Simin kommen aus verschiedenen sozialen Schichten; auch die Weltanschauungen sind also nicht in Einklang zu bringen. Schlimmer noch, man beschimpft sich, man klagt. Wir werden Zeugen eines Dramas und können nicht eingreifen, nicht helfen. Alles ist völlig ohne Effekthascherei, brisant und auch politisch. Seit einiger Zeit kommen aus dem Iran hochgelobte Filme, die Ron immer mit Spannung erwartete.
Topics: German Film, International Reports | Comments Off on Berlinale 61
Bulgarian film wins Grand Prix at 15th Sofia International Film Festival
By Martin Blaney | March 25, 2011
In photo jury president Fridrik Thor Fridriksson presents Grand Prix to Shelter's Dragomir Sholev, courtesy Sofia Film Festival
Dragomir Sholev’s feature debut Shelter became the first Bulgarian film to win the Grand Prix at the 15thedition of the Sofia International Film Festival’s (SIFF) .
The drama about a 12 year-old boy prepared to run away from home after being neglected by his parents had premiered in San Sebastian’s New Directors competition last September. It also took home the Kodak Award for Best Bulgarian Feature Film and the festival’s Audience Award.
Speaking at the gala closing ceremony in Sofia’s National Palace of Culture, Shelter’s producer Rossitsa Valkanova of Klas Film said that it had been “a specially important statement this year that two Bulgarian films [Shelter and Viktor Chouchkov Jr’s Tilt] were selected for the first time for the International Competition.”
The International Jury led by Icelandic director Fridrik Thor Fridriksson and including former Connecting Cottbus artistic director Gabriele Brunnenmeyer and filmmakers Kamen Kalev, Alvaro Brechner and Ognjen Svilicic, gave their Special Jury Award to Selim Gunes’ White As Snow and the prize for Best Director to Joao Nuno Pinto for America, starring Russian actress Chulpan Khamatova, while the FIPRESCI International Critics Prize went to Ola Simonsson and Johannes Stjärne Nilsson’s Sound Of Noise.
Meanwhile, the Sofia Municipality Award for services to world cinema were presented to Bulgarian actor Russi Chanev, film directors Claude Lelouch and Otar Iosseliani as well as the legendary actress Claudia Cardinale who attended a gala screening of a re-cut version of Visconti’s The Leopard.
More than 260 international guests came to Sofia for the jubilee edition, ranging from Volker Schlöndorff, Sylvia Kristel, and Andrzej Zulawski, through Aleksey Uchitel and Goran Paskaljevic to Srdjan Koljevic and Sarajevo Film Festival’s Mirsad Purivatra.
Schlöndorff was in Sofia for the board meeting of the European Film Academy, but also attended a screening of The Tin Drum – Director’s Cut and signed autographs at the launch of the Bulgarian translation of his autobiography Light, Shadow and Movement: My Life and Films in the Kolibri publishing house’s Amarcord series.
In addition, the festival programmed recent German films like Feo Aladag’s When We Leave, Sergei Loznitsa’s My Joy and Chris Kraus’ The Poll Diaries and Tom Tykwer’s Three as well as such co-productions as Benedek Fliegauf’s Womb, Mathieu Amalric’s Tournee, Srdjan Koljevic’s The Women with a Broken Nose and Oleg Novkovic’s White White World.
The team of the Stuttgart-based Robert Bosch Foundation came to Sofia with four young German producers to meet 13 Bulgarian counterparts who pitched them new projects in a form of speed dating. Moreover, there was a screening of four short films made by teams of German and Eastern European filmmakers as part of the Robert Bosch Co-Production Prize.
And local filmmaker Nadejda Koseva, who was one of the contributors to the omnibus film Lost & Found, was able to show her 27-minute short Take Two which was produced by Stefan Kitanov’s Art Fest and Herbert Schwering’s Cologne-based Coin Film with support from the Bosch Foundation.
Topics: International Reports | Comments Off on Bulgarian film wins Grand Prix at 15th Sofia International Film Festival