André Jung, Harald Schrott, Ulrich Matthes in Volker Schlöndorff's Calm At Sea, courtesy Berlinale

Already with his first feature film Young Törless, director Volker Schlöndorff gained international attention. His adaption of Robert Musil’s novel won the FIPRESCI Prize at the 1966 Cannes Film Festival, and the young German cineaste, who had collected profound experiences as assistant director of French masters Louis Malle, Alain Resnais and Jean-Pierre Melville was immediately accepted as a head of the New German Cinema. Since then Schlöndorff has realized more than 30 films, among them 26 features. Maybe the most amazing quality of his work is the simultaneity of an always strong personal mark and the great openness about different possibilities to reflect on history and reality.

These qualities fit very well with his inclination to focus on literature adaptions time after time, and always trying to be faithful to them. At least in Germany, there is no other film maker who adapted such a great variety of literature. In 1975 he polarized audiences, critics and politicians with his film version of Heinrich Böll’s The Lost Honor of Katharina Blum. He filmed in 1979 Günther Grass’ novel The Tin Drum and won an Oscar as well as the Palme d’or at the Cannes Film Festival. He brought works of Heinrich von Kleist, Marcel Proust, Bertolt Brecht (Baal with the then not yet famous R. W. Fassbinder in the lead role), Max Frisch, Nicolas Born and Margaret Atwood, Arthur Miller, Michel Tournier and Éric-Emmanuel Schmitt on the screen. But he also participated in political film projects as Germany in Autumn or covered political events as the formation of Solidarity in Poland with Strike. Obviously his films are expressing always his personal perspective on changing and evolving society. On the occasion of The Legend of Rita (2000), an outstanding film on the German unification, Anthony Oliver Scott, chief film critic of The New York Times, did praise Schlöndorff for “the politically urgent, ethically complex and clear-sighted filmmaking that marks his strongest work.”

These words are as well accurate for Schlöndorff’s recent film. From many aspects the French-German co-production Calm at Sea can be considered as a peak of European cinema. Schlöndorff here achieved to assemble all of his skills as a filmmaker as well of his personal experiences in life to create a very moving and historically accurately told story. It confronts the audience with the complexity of a historical event, which marks one of the darkest chapters in the relations between Germany and France. When in October 1941, during the German occupation of France in World War II, a German officer was killed in the city of Nantes by young communist members of the Résistance, Hitler ordered the execution of 150 hostages in retaliation. In France this event is well known, it marks the Résistance’s reinforcement. The youngest victim of these hostages, the only 17 years old Guy Môquet, is still today an patriotic icon. In Germany however this incident remained largely unknown.

Just a few years ago a critical report from a German point of view has been discovered and published in the meantime. Its author is the famous, but also controversially discussed writer Ernst Jünger (1895-1998), who served at that time as a captain at the Wehrmacht headquarters of Paris. In great detail he described the futile attempts to moderate the inhumane orders of Berlin which would turn even the collaborating French into enemies. In Jünger’s archive there there has been found German translations of the victim’s farewell-letters, among them also the famous one of Guy Môquet. Since 2007 – on behalf of French President Sarkozy’s request – this letter is read publicly in every high school in France at the anniversary of Môquet’s death. Jünger, who was conservative as well as francophile, seems to get more reputation in today’s France than in Germany itself. In this act of blind retaliation he absents himself from his notorious attitude as the indifferent observer.

Based on contemporary documents including the writings of Ernst Jünger and the French journalist Pierre-Louis Basse, Schlöndorff’s film shows these terrible events at different levels and from different pesrpectives. There are cowards and heroes, but mostly human beings who are clueless caught in a net of narrow-minded views, fanatical ideas and bureaucratic interdependencies. In focus are the young Môquet, all of a sudden loosing his juvenile light-heartedness, the German officer and writer Ernst Jünger, trying to deceive himself from his own involvement, but also the young French head of administration, who selects the victims among the detainees in a camp for communists and other members of the Résistance “to avoid the execution of respectable French”, as he defends his conduct. Inspired by Heinrich Böll’s autobiographical stories, Schlöndorff added a young German soldier of the firing squad to the story, who is collapsing. So, Schlöndorff succeeds to describe the contradictional panorama of all these different motivations and attitudes – culminating in a tragic juxtaposition of blind obedience and desperate hopes on both sides – even the French collaboration is morally exposed, but without any relativism of the German invaders’ guilt.

Calm at Sea fascinates with breathtaking authenticity, which is also the result of a convincing cast. The fresh-faced look of Léo-Paul Salmain as Guy Môquet and Ulrich Matthes’ distinctive portrait of the ambiguous Ernst Jünger stay in mind as expression of entirely different designs of living.

Also Schlöndorff’s insistence on the bilingualism, in spite of the German TV’s aversion to subtitles, here is of importance. With all such intensive, but nonetheless careful attention, Schlöndorff avoids the hindsight bias, which so often are disturbing historical films. This is a really outstanding quality, which gives his film a deep impact. It would be ridiculous to criticize Calm at Sea as conventional or even old-fashioned. On the contrary it’s a virtue of this film that its director seems to stay in the background, just trying to serve the outrageous story at best – instead of interfering pretentiously. Of course, an important precondition of this film is Schlöndorff’s biographical familiarity with France. Already in 1956, when he was a young exchange student in the Bretagne, he got aware of this war crime incident and its significance for France’s national identity.

A few weeks ago, Schlöndorff has even published a novel on the film’s topic in France – La Mer à l’aube: Les dernières heures de Guy Môquet (Éditions Saint-Simon, Paris). The fact that a German cinéaste has realized this film also for a French audience should not be underestimated by its cultural-political significance. Beyond every-day-politics frictions like in the current Euro crisis this film testifies to the depth of the French-German relationship which has been hardly imaginable just a few decades ago.

“It’s just a little story,” Schlöndorff says on his film, “but of immense relevance because of the courage shown by so many involved; of its mercilessness in its curse as a Greek tragedy and almost incomprehensible in today’s Europe. Who ever is tired of Europe should remember where we come from!”

See also: Dorothea Holloways review  “Calm at Sea” von Volker Schlöndorff. Ein Kriegsdrama

Kacey Mottet Klein und Léa Seydoux in L’enfant d’en haut von Ursula Meier, courtesy Berlinale / © Roger Arpajou

Zum Schluss möche ich nicht unerwähnt lassen, was mir bei den meisten Beiträgen aufgefallen ist: die Kameraführung ist hochprofessionell und dem jeweiligen Film absolut dienend. “Film ist Bild,” sagte Ron immer.

Außer dem Silbernen Bären für die herausragende künstlerische Leistung des Kameramanns Lutz Reitemeier in Bai Lu Yuan (Volksrepublik China 2011) hätte ich noch einige weitere “Kamera-Bären” verleihen mögen. In Bai Lu Yuan, nach dem Historienroman White Dear Plain, gelingt es dem Regisseur Wang Quan’an uns das Schicksal eines Dorfes am Ende des 19. Jahrhunderts – das Kaiserreich geht zu Ende — nahe zu bringen und die Erkenntnis, dass auch der Kommunismus keine Erlösung bringen kann. Wang Quan’an wurde 2007 bei der Berlinale für Tuya’s Hochzeit mit dem Goldenen Bären ausgezeichnet. In KINO – German Film No: 89 von 2007 schrieb Ron u.a.

“Wang Quan’an’s fiction-documentary Tu ya de hun shi (Tuya’s Marriage) (China) was arwarded the Golden Berlinale Bear. Set in rural Mongolia, the film mirrors the plight of nomadic shepherds whose way of life is threatened by government plans to move them to urban shelters … As fiction-documentary, Tuya’s Marriage owes much to German cinematographer Lutz Reitemeier, whose sweeping images of the steppes underscores the integrity of the story…”

Über die Lobende Erwähnung (Sonderpreis) für L’Enfant d’en haut (Sister) der Schweizerin Ursula Meier habe ich mich richtig gefreut. In der “reichen” Schweiz bleibt einem halbwüchsigen Knaben nur das “Stehlen” um mit der Schwester Louise (Lea Seydous, sie spielt in Farewell my queen von Benoit Jacquot die Vorleserin) über die Runden zu kommen. Die Beiden wohnen in einem Skigebiet. Der Junge Simon ist ein Meisterdieb. Er weiss, was Mode ist und kennt die Marken. In den Skihotels der Touristen findet er seine Beute: Zubehör für die Sportler und auch Essbares. So sorgt er für sich und seine Schwester. Der zwölfjährige Simon (ganz großartig: Kacey Mottet Klein) ist seiner Schwester von Herzen zugetan. Er sucht ihre Nähe, möchte mal im Bett ihre Wärme spüren. Er bietet Louise dafür 100 Franken, dann 200 — mir bricht das Herz, das geht unter die Haut. Die bewegende Studie über einen Heranwachsenden wurde von Agnes Godard fotographiert, dafür von mir einen Silbernen Bären. Die 14. Marburger Kameragespräche haben kürzlich Agnes Godard ihren Hauptpreis verliehen, Glückwunsch!

In Tabu von Miguel Gomes, seinem 3. Spielfilm, verleben drei ältere Damen ihren Lebensabend im heutigen Lissabon: Aurora (Laura Soveral), sie verspielte ihr Geld im Casino, ihre treue Dienerin Santa (Isabel Cardoso) und die mildtätige Pilar (Teresa Madruga). Als Aurora gestorben ist, findet Pilar in der Hinterlassenschaft von Aurora einen Brief an einen ehemaligen Liebhaber. Da beginnt eine Art Teil zwei, ein Melodrama um eine Amour fou, die sich vor etwa 50 Jahren in Afrika zwischen der jungen Aurora (Ana Moreira) und ihrem Geliebten Ventura (Carloto Cotta) zutrug. Ein kurzes Glück. Tabu ist ein etwas seltsamer Film, sensibel, eine Liebeserklärung an die Filmkunst; manchmal musste ich an Uncle Boonmee who can recall his past lives von Apichatpong Weerasethakul denken, see KINO – German Film No: 98 von 2010. Miguel Gomes gewann the FIPRESCI Prize and the Albert Bauer Prize for innovation.

Die Berlinale 62 brachte das vielfältige Filmschaffen aus aller Welt an die Spree. Nur noch ein paar Namen: Aus den USA: Jayne Mansfield’s Car von Billy Bob Thornton. Als ich 1969 mit Ron zum ersten Mal in den USA war, habe ich Land und Leute genau so erlebt und gemocht, obwohl ich in Chicago war und nicht auf einer Ranch in Alabama, wo der sowohl heiter unterhaltsame als auch ernsthafte USA-Film spielt (Produktion: Russische Förderation/ USA 2011), mit so großartigen Darstellern wie Robert Duvall und John Hurt. Regisseur Billy Bob Thornton ist auch als fabelhafter Schauspieler mit von der Partie.

Im Forum: Zavtra (Tomorrow) Regie, Buch, Kamera, Schnitt, Produktion von Andrey Gryazev. Auch in einem Film aus Russland wird geklaut. Das Künstlerkollektiv Voina (Krieg) lehnt Geld ab; sie klauen sich Essbares in Supermärkten, und das macht auch noch Spaß.

Spaß macht mir in dieser Dokumentation Zavtra mit zu erleben, wie die russischen Voina-Leute eine Aktion, ein Happening umsichtig organisieren, mit welcher Inbrunst, Genauigkeit und Strategie sich die Kunstrebellen vorbereiten auf das Umkippen eines Autos - eines Polizeiautos! Muss man das Auto nur ordentlich hin-und-herwippen oder doch anheben und dann umwerfen? Wieviel Leute - “Krieger” - braucht man dafür? Alles muss vorher ernsthaft bedacht sein, und das ist nicht unkomisch. Natürlich, eine Kunstaktion muss ordentlich geübt werden, und dann klappt es auch. Ein Polizeiauto liegt auf dem Dach - hurra! - die Räder nach oben, prima!

Doch es gibt auch Mitmenschen, die solche Kunst nicht recht verstehen, und die stecken dann besonders kreative Voina-Aktivisten für einige Zeit ins Gefängnis.

Berlinale 62 hatte in allen Sektionen sehenswerte Filme. (See Report Manfred Hobsch, see Report Mario Schulz.

Just now came from London Sight & Sound - Published monthly by the BFI. I quote from this International Film Magazin:

“Cover Feature: Since leaving his native Finland director Aki Kaurismäki has broadened his canvas with Le Havre, but his deadpan vision remains the same. Michael Brooke talks to him, and surveys his career to date.”

Now I quote myself from KINO – German Film No. 101 (2011):

“I would also have given a Palm to Le Havre by Aki Kaurismäki.”

And in KINO – German Film No. 45 in 1992 Ron Holloway wrote:

“Catch Aki’s latest cult film - La vie de Boheme - at the International Forum of Young Cinema.”

]]> http://www.kino-germanfilm.de/?feed=rss2&p=1431 http://www.kino-germanfilm.de/?p=1427 http://www.kino-germanfilm.de/?p=1427#comments Fri, 20 Apr 2012 13:04:22 +0000 Mario Schulz http://www.kino-germanfilm.de/?p=1427

Dorothea bat mich über die 62. Internationalen Filmfestspielen Berlin zu schreiben. Einfach war es nicht, trotz Akkreditierung, „Wunschkarten“ zu bekommen. Die Auswahl der Filme war dann doch ziemlich gemischt.

Ein Highlight war auf jeden Fall der französisch-schweizerische Film Sister von der Regisseurin Ursula Meier (ihr zweiter Film nach Home 2008). Der Film erzählt die Geschichte des Jungen Simon, sehr überzeugend gespielt von dem 13jährigen Kacey Mottet Klein, und seiner noch jungen Mutter, die sich lieber als seine Schwester sieht. Beide leben in der Schweiz in trostlosen Verhältnissen ohne Eltern. Die Mutter ist völlig überfordert und Simon ist ihr auch egal. Simon fährt jeden Tag mit der Seilbahn hinauf in das Skigebiet, in dem die reichen Touristen Urlaub machen. Er klaut nicht nur deren Essen, sondern auch Brillen und Skier und besonders die teuren Marken, für die er das meiste Geld bekommt. So sichert er seiner Mutter und sich das kleine Einkommen. Es ist zu spüren, dass hinter dem kriminellen Verhalten, der Wunsch nach Nähe und dem Entkommen aus seiner einsamen und trostlosen Welt, steckt. Ursula Meier hat den Film mit sehr viel Feingefühl inszeniert und man darf auf Ihren nächsten sehr gespannt sein.

Forum

Die Kälte kroch einem unter die Haut, bei der Dokumentation Winter Nomads aus der Schweiz von Manuel von Stüber. Zwei Schafhirten, drei Esel und 800 Schafe ziehen durch die französische Schweiz. Als ich aus dem Kino kam, hatte ich das Gefühl ich war mit den Schafhirten mitgezogen.

Panorama Special

Man kann auch ohne viel Aufwand gute Filme drehen! Glaube, Liebe, Tod von und mit Peter Kern (Österreich) und weiteren zwei Darstellern. Eine Mutter, ein Sohn (Peter Kern) und ein blinder Passagier auf einem Hausboot.

Mir ist noch ein älterer Film mit Peter Kern gut in Erinnerung. Flammende Herzen (1978) von Walter Bockmayer und Ralf Bührmann.

Man darf auf die 63. Berlinale 2013 gespannt sein.

Birgit Minichmayr in Matthias Glasners Gnade, courtesy Alamode Film/Jakub Bejnarowicz

Auch Matthias Glasner konnte bei seinem Wettbewerbsbeitrag Gnade (Mercy) mit wunderbaren Schauspielern arbeiten.

Ingenieur Niels (Jürgen Vogel) hat im norwegischen Hammerfest am Polarmeer, der nördlichsten Stadt Europas, eine gut bezahlte Stellung in einer wichtigen Industrieanlage gefunden, und seine Frau Maria, gelernte Krankenschwester, kann hoch im Norden in einem Sterbehospiz Dienst tun. Zusammen mit dem halbwüchsigen Sohn Markus wollen die Drei einen neuen Lebensentwurf versuchen. (Die Eheleute hatten sich nicht mehr viel zu sagen.)

Die lange Polarnacht – von Ende November bis Ende Januar erreicht die Sonne nicht den Horizont und es herrscht eine magische Dämmerung – hat Kameramann Jakub Bejnarowitz atemberaubend fotografiert.

Nach einer Doppelschicht mit Schwerkranken prallt Maria auf der Heimfahrt mit dem Auto an einen Gegenstand, hält: wir hören nichts, sehen nichts, nur Schnee und Eiswüste in der Dämmerung. Maria fährt weiter. Aber – sie hat ein Mädchen angefahren, das stirbt. Maria stellt sich nicht. Gerade wie Birgit Minichmayr ihre Maria bisher “angelegt” hatte, verstehe ich nicht, dass sie sich nicht zu der Tat bekennt.

Oder ist das gerade die Stärke des Films? Niels jedenfalls, ihm hat sie alles gestanden, steht zu seiner Frau, - während Sohn Markus nur so am Rande in die bedrückenden Geschnisse einbezogen wird. Das wäre in der Lindenstraße nicht passiert. Das ist nicht bösartig gemeint. Ich bin halt Lindenstrassen-Fan, insbesondere ihrer Dramaturgie.

Vielleicht könnte Matthias Glasner einmal versuchen, dass Bundespräsident Joachim Gauck sich Zeit nimmt, um Gnade anzusehen und dann mit uns über Schuld und Sühne zu diskutieren.

Unter dem Dach von „Generation“ gibt es mit „kplus“ nicht nur Filme für Kinder zu sehen, denn 2004 wurde die Sektion um den Jugendfilmwettbewerb „14plus“ ergänzt. Im Lauf der Jahrzehnte wurde das Leitungspersonal mehrfach ausgewechselt, in den Auswahlgremien waren die unterschiedlichsten Schauspieler, Regisseure, Journalisten und Pädagogen vertreten – und doch gibt es mindestens zwei Dinge, die die Geschichte des Kinderfilms und der Berlinale begleiten: Zum einen die Frage, was eigentlich ein Kinderfilm ist, zum anderen die geringe Beteiligung des deutschen Films.

Gleich in zwei Podiumsgesprächen im Rahmen des Festivals 2012 wurde um die Frage nach dem „guten“ und dem „richtigen“ Kinderfilm gerungen: Der Förderverein Deutscher Kinderfilm stellte sich in Kooperation mit der Deutschen Filmakademie der Frage „Was ist ein guter Kinderfilm“ und die Sektion „Generation“ setzte auf das provozierende Motto „Dies ist kein Kinderfilm“, denn in den Jahren zuvor war die Auswahl der Kinderfilme massiv in die Kritik geraten. Genauso schwer wie die Definition des Begriffs Kinderfilm fällt, ist auch immer die Entscheidung, was Kindern mit einem Film zugemutet werden kann. An Mut hat es in dieser Sektion jedenfalls niemals gemangelt, Ambitionen waren stets gewichtiger als naiv-niedliche Unterhaltung. Und so haben Werke, die sich thematisch und formal mit der Erfahrungswelt von Kindern oder Jugendlichen beschäftigen, einen festen Platz im Programm, auch wenn sie ursprünglich von Filmemachern und Produzenten gar nicht als Kinder- und Jugendfilm gedacht waren.

Während es mit der Umbenennung in „Generation“ gelungen ist, sich international noch besser als wichtiger Marktplatz für Kinder- und Jugendfilme zu etablieren, hinkt die Entwicklung im eigenen Land noch immer hinterher: Auch im diesjährigen Programm konnte man erneut den Eindruck gewinnen, dass es mit der aktuellen deutschen Kinderfilmproduktion nicht zum Besten steht, denn wie in den Jahren zuvor war kein Beitrag als wettbewerbswürdig befunden worden. Das KinderMedienFestival „Goldener Spatz“ allerdings, das nur dem deutschsprachigen Markt gilt und im Mai 2012 in Gera und Erfurt stattfindet, meldet mit 28 Spielfilm-Einreichungen den bisher stärksten Zuwachs seit der Umstellung auf den jährlichen Turnus. Berlinale-Chef Dieter Kosslick ist es in elf Jahren gelungen, das Festival und „den“ deutschen Film miteinander zu versöhnen, mit der seit 2002 erfolgreichen Sektion „Perspektive Deutsches Kino“ und einer starken Beteiligung deutscher Filme im Wettbewerb. Nur bei „Generation“ scheint dies nicht zu gelingen: „Die Filme aus der deutschen Kinderfilmindustrie wählen wir selten aus. Wir bekommen sie manchmal zu sehen, manchmal nicht“, bemerkt Maryanne Redpath, Leiterin der Sektion „Generation“ seit 2008. Den Mangel empfindet sie als „schlimm“, aber es gibt immer noch „Berührungsängste“, denn „manchmal ist es so, dass die Produktionen nicht zu uns kommen wollen.“

Das war nicht immer so: Erstlingswerke von Filmemachern wie Arend Agthe, Jürgen Haase und Wolfgang Tumler, die später die Film- und Fernsehlandschaft mit prägen sollten, erlebten ihre Premiere im Kinderfilmprogramm der Berlinale. Haro Senft, Initiator und Mitunterzeichner des Oberhausener Manifests (1962), der sich bereits früh dem Kinderfilm zuwandte, um Kindern Mut zum eigenen Leben zu machen, verlieh die Berlinale als Zeichen der Verbundenheit die „Berlinale Kamera 2012“. Merkwürdig nur, dass diese Sonderveranstaltung ganz und gar außerhalb der Sektion „Generation“ stattfand und dort auch kein Hinweis darauf gegeben wurde. Hat womöglich auch „Generation“ selbst Berührungsängste mit dem deutschen Kinderfilm?

Ein dringendes Gespräch zwischen Oskar (Stipe Erceg) und Sebastian (Mark Waschke) in Schilf, courtesy X-Verleih

Die Verfilmung des Romanbestsellers von Juli Zeh in der Regie von Claudia Lehmann (Buch Claudia Lehmann und Leonie Terfort).

Der Physikprofessor Sebastian Wittich (Mark Waschke ist einfach fabelhaft, eine Idealbesetzung), erklärt seinen Studenten die Viele-Welten-Theorie, von der er voller Leidenschaft überzeugt ist. Der Grundlagenforscher Oskar Hoyer (Stipe Erceg - see KINO No:102, Hell) “stört” diese letzte Vorlesung vor den Semesterferien; jedoch es ist nur ein Scherz unter alten Studienfreunden. Zwischen Sebastian und Oskar entwickelte sich eine lebenslange Männerfreundschaft. Beide vertreten im Fernsehen in einem Wissenschaftsmagazin ihre verschiedenen Standpunkte.

Bis dahin habe ich von Schilf nicht viel verstanden. Die beiden professoralen Freunde sprechen ziemlich schnell, - es wird immer so “weggesprochen” - und die Materie ist mir fast völlig fremd.Vielleicht sollte man in einem Vorspann mit ein paar Sätzen erklären, was ein Paralleluniversum ist.

Erst als wir auf freier Strecke sind, ein Auto fährt durch eine schöne Landschaft (die Kamera von Manuel Mack ist prima), fängt für mich der Film an. Das Auto fährt Sebastian, der seinen Sohn Nick in ein Ferienlager bringen will. Vorher hat er seine Frau Maike (überzeugend und sympathisch: Bernadette Heerwagen), zum Bahnhof gebracht. Maike wird einen erholsamen Urlaub verbringen, und Sohn Nick wird mit seinen Freunden im Ferienlager rumtoben, während Sebastian dann in Ruhe forschen kann. So hofft er wenigstens. Als er an einer Raststätte aufs Klo muss, Nick muss nicht, bleibt der Junge im Auto, und ist spurlos verschwunden, als Vater Sebastian wieder zurück kommt! Fürchterlich! Er ruft und sucht, rennt hin und her, ist völlig verwirrt. Sebastian versteht die Welt nicht mehr, oder ist er tatsächlich eingetaucht in eine andere Welt!?

Am Handy  erhält Sebastian die Aufforderung, Ruhe zu bewahren, dann den Befehl “Dabbeling muss weg.” Der Alptraum will nicht enden. Als Sebastian Maike am Bahnhof abholt, seine Frau kommt früher zurück als geplant, steht da wieder der sehr alte Mann, der schon mehrmals plötzlich auf der Bildfläche erschienen ist. Als der seltsame Alte wieder auftaucht, stellt er sich vor: Sein Name ist Schilf.

Mark Waschke sagt in einem Gespräch: “Der Professor hat sich ganz schön verrannt und dann fliegt ihm diese ganze Parallelwelten-Welt um die Ohren.”

Zu Schilf, eine Art Psychothriller, gibt es eine lesenswerte Information mit dem Untertitel: Alles, was denkbar ist, existiert. Aus dem Gespräch mit Bernadette Heerwagen möchte ich zitieren:

Ich glaube auch, dass es vordergründig um die Männerfreundschaft zwischen Sebastian und Oskar geht und dass Maike so etwas wie das dritte Element ist — die Frau, die sich dazwischen gedrängt hat, obwohl sie das eigentlich nie wollte. Sie wollte mit Sebastian zusammen sein und Oskar als Freund haben. Sie hat keine Ahnung von Oskars verborgenen Intentionen. Ich glaube, dass Maike im Film das vermeintliche normale Leben repräsentiert, auch so etwas wie unsere normale Vorstellung von Wahrheit. Es ist allerdings interessant, wie sehr man beim Sehen des Films mit Sebastian mitgeht. Wenn Maike von ihrer Reise zurückkehrt, kehrt mit ihr auch das normale Leben zurück, und man realisiert erst richtig, dass Sebastian in einer Parallelwelt steckt. Von da an gibt es keinerlei Sicherheit mehr.

Auch für mich ist die Männerfreundschaft ein wichtiger Aspekt des Films und die Vertrautheit zwischen Sebastian und Oskar läßt mich an Don Carlos und Marquis Posa denken.

Wie gesagt, die Einführung am Anfang war für mich etwas unbefriedigend, aber dann folgt ein spannender Film mit exzellenten Künstlern: Schauspielern, Kameraleuten, Komponisten in einem aufregenden Werk, in dem es um Parallelwelten geht, um Männerfreundschaft und um eine ganz normale Familie: Mutter, Vater, Kind.

Alles weitere: Schilf im X-Verleih

goEast > 12. Festival of Central and Eastern European Film Wiesbaden

The 2012 goEast Symposium in Wiesbaden (April 19-22, 2012) departs from the pattern established in previous years: instead of covering a theme with general relevance for Central and Eastern Europe, this year’s Symposium focuses on a single national institution: Lenfilm, the first film studio to be set up in the USSR.

Lenfilm recently returned to the headlines after plans were announced to liquidate (in other words, privatize) the studio and public protests came from the internationally renowned directors Aleksandr Sokurov und Aleksei German. Some insist that the studio is (still) alive, pointing to the impressive total of 1,500 productions since 1918. Lenfilm’s day is over, argue others, saying the once-grand institution symbolizes the USSR’s decline as a cinematic power.

From the 1920s up to the final phase of perestroika, Lenfilm provided a space inside which avant-garde cinema, genre film and artistic ambition influenced and enriched one another. Driven by creativity and the pioneering spirit, Lenfilm repeatedly broke new ground. In conjunction with the on-going re-assessment of figures and productions associated with the studio, recent discoveries of films previously thought to be lost suggest that the history of Lenfilm is far from complete. At times it seems we are only beginning to catch up.

RealAvantGarde – With Lenfilm Through the Short 20th Century proves that film history must be viewed as a work-in-progress, as a fleeting construct shot through with ruptures. Lenfilm emerges as a point of confrontation for very diverse disciplines, a studio open in equal measure to the compositions of Shostakovich, to the synthetic sound techniques of Sholpo, to the master animator Tsekhanovsky’s experiments with colour and objects, to the manifold forms of historical knowledge and the handling (and manipulation) of the same. Whether dealing with the wars, nimbly juggling genre-topoi (science fiction, thrillers and musicals were always welcome), or establishing alternative forms of (sur)realism, Lenfilm proved capable of linking the avant-garde up to day-to-day life. Lenfilm is history in serialized form.

The Symposium, curated by Barbara Wurm (Berlin) and Olaf Möller (Cologne), includes a panel discussion on ›Lenfilm now & then‹, and lectures by Russian film directors (Oleg Kovalov and Svetlana Proskurina), film historians (Petr Bagrov and Sergei Kapterev), the British book author John Riley and Austrian film critic Christoph Huber. The line-up consists of 13 programs and more than 25 films. Acclaimed masterpieces like Fridrich Ermler’s Fragment of an Empire (1929) or Aleksandr Sokurov’s Days of Eclipse (1988) are shown side by side with the sci-fi classic Amphibian Man (1961) or Oleg Kovalov’s Perestroika-experiment The Scorpion’s Gardens (1991), a pre-thaw- (Heifitz’ A Big Family, 1954) and a post-thaw-monument (Ermler’s Facing the Judgement of History, 1965), the DEFA-coproduction Schwarzer Zwieback (1971) and the Germany related Cities and Years (1930), two wonderful essays in realism, Ilya Averbakh’s Monolog (1972) and Proskurina’s Playground (1986), and, last but not least, cult films of their time, like Kozintsev/Trauberg’s Yunost’ Maksima (1934) or Igor Maslennikov’s Sherlock Holmes-series (The Twentieth Century Approaches, 1981). Not to be missed: ›Animation on the move‹ – short film rarities by Mikhail Tsekhanovsky and others. – ed.

>  www.filmfestival-goeast.de

Rachel Mwanza in Kim Nguyen's War Witch, courtesy Rebelle - le Film

Es war genau am 14. März, als ich meinen Berlinale-Bericht 2012 mit Vive le Jury!-Teil IV fortsetzen wollte, als der Internationale Strafgerichtshof in den Haag (ICC, gegründet 2002 ) sein erstes Urteil fällte.

Der Kongolese Thomas Lubanga Dyilo wurde schuldig gesprochen, (das Strafmaß folgt später), Kindersoldaten rekrutiert und als Kämpfer eingesetzt zu haben. In Kim Nguyen’s Rebelle (War Witch) erleben wir spröde und ohne Sentimentalität berichtet, das bewegende Schicksal der Kindersoldatin Komona in Afrika. Wir werden so tief berührt, da Nguyen – der Franco-Kanadier mit vietnamesischen Wurzeln schrieb auch das Buch – die unmenschlichen Geschehnisse aus der Perspektive des gequälten Mädchens ins Bild bringt. Hart, bedrückend und vor allem auch politisch. Komona muss lernen – im Kongo ist Überleben alles – ein Maschinengewehr zu gebrauchen - zum Töten.

Komonas Dorf wurde von den Rebellen gebrandschatzt, dem brutalen Kommandanten muss sie zu Willen sein. An authentischen Plätzen im Kongo gedreht, wurden die Schrecken des Bürgerkrieges für mich zur quälenden Belastung. Rachel Mwanza’s Verkörperung der Komona hat mich überwältigt. Die Jury der 62. Berlinale erkor Rachel Mwanza zur Preisträgerin; sie erhielt den Silbernen Bären für die beste Darstlellerin.

"Calm at Sea" von Volker Schloendorff

Adieu, meine Freunde. This is a hymn of praise. Dies ist eine Lobeshymne! Und da würde mir auch Ron Recht geben, obwohl er manchmal meine überschwängliche Begeisterung für einen Film zu  “romantisch” nannte.

Das Meer am Morgen von Volker Schlöndorff ist handwerlklich ohne Fehl und Tadel: das Buch so intensiv, so stimmig, informativ und auch so bewegend. Was geschah 1941 in  Frankreich, als die deutsche Wehrmacht dort Besatzungsmacht war? Schlöndorff berichtet nicht schwarz/weiß, nicht gut/böse, er protokolliert: hier sind die Besatzer, hier sind die Besetzten; hier Soldaten, hier Zivilisten; hier Deutsche, hier Franzosen. Alle leben in einer Ausnahmezeit, es ist Krieg. Will nicht jeder seine Haut retten? Natürlich gibt es auch Helden, die glaubwürdig sind und Versager, für die man Mitleid hat.

Ein deutscher Offizier, unbewaffnet, wird von jungen Widerstandskämpfern von hinten erschossen, die entkommen können. Als Vergeltung verlangt Hitler 150 Franzosen zu erschießen, die in einem Internierungslager für Gegner der Besatzungsmacht gefangen gehalten werden. In einer der ersten Szenen zeigt Schlöndorff dieses Camp wie eine Art Ferienlager, wo die meist jungen Inhaftierten Wettrennen veranstalten. Junge Französinnen hinter einem brüchigen Zaun schauen zu und jubeln den Siegern zu. Durch die Spalten des Zaunes können sich die jungen Leute miteinander unterhalten.

Ein junger französischer Landrat muss die Liste mit den zu erschießenden Geiseln aufstellen. Liste - es gab auch andere Listen im 2. Weltkrieg: Schindler’s Liste.

Ohne die eine oder andere Seite zu verunglimpfen, rekonstruiert Schlöndorff das Drama aus dem Kriegsjahr 1941. Er hat zeitgenössische Dokumente eingehend studiert und auch die kürzlich entdeckten Tagebuchaufzeichnungen gelesen, die Ernst Jünger machte, als er 1941 als Hauptmann im besetzten Frankreich stationiert war. Schlöndorff konnte für die wichtigen Rollen wunderbare Schauspieler gewinnen: Ulrich Matthes ist Ernst Jünger, Andre Jung verkörpert General Stülpnagel. Beide gehören zur Deutschen Komandantur, die in einem Pariser Hotel untergebracht ist und ebenfalls Geiseln für die Erschießungsliste ausfindig machen soll. Die Wahl trifft u. a. auf den 17-jährigen Guy Moquet, ganz zurückhaltend und faszinierend: Leo Paul Salmain.

Die Vorbereitungen für die Erschießungen hat Schlöndorff ohne Pathos, sozusagen Maßnahme für Maßnahme in Szene gesetzt. Übrigens hat General Otto von Stülpnagel, Militärbefehlshaber in Frankreich, mit Hitler verhandelt: Zunächst sollen 50 Franzosen erschossen werden. Wenn sich die Schuldigen nicht stellen, sollen weitere Gefängnisinsassen hingerichtet werden. Als die Opfer alle in einer Baracke versammelt sind, kommt ein Priester zu ihnen. Wer will, kann einen Abschiedsbrief schreiben. Der Prister wird dafür sorgen, dass die Briefe in die richtigen Hände kommen. Ernst Jünger hat die letzten Lebenszeichen später ins Deutsche übertragen. Guy Moquet’s Brief endet so:

“Ich kann nicht mehr schreiben, ich verlasse Euch alle, alle, Dich Mama, Sesenge, Papa. Ich umarme Euch mit kindlichem Sinn. Mut. Euer Guy, der Euch liebt. Guy.” Aus: Ernst Jünger: “Zur Geiselfrage” (Klett-Cotta)

Am Schießplatz an der Sandgrube müssen die jungen deutschen Soldaten erst mal das Schießen lernen. Sie stehen in einer Reihe, jeder bekommt eine Kugel. Es muss schnell gehen, ohne Zwischenfall, da wird nicht lang gefackelt. Der Ausbilder ist hoch motivert und professionell.

Die Opfer werden einzeln aufgerufen, draußen warten die Lastwagen zum Abtransport. Jeder gibt dem Priester seinen Brief. Guy dreht sich im Ausgang noch mal um: “Adieu, mes amies” - Adieu, meine Freude.

Einer der jungen deutschen Soldaten bricht zusammen. Weinend sitzt er neben den ersten Toten. Die nächste Erschießungsgruppe wird an den Pfählen festgebunden, aber nicht zu fest. Wir schauen in die Gesichter der Festgebundenen. Dann eine Totale von oben gesehen: die Toten sind an den Pfählen zusammengebrochen, Schüsse fallen. Zur Sicherheit wird jedem Opfer noch mal in den Kopf geschossen.

Die Totale und die Schüsse werde ich nie vergessen. Regie und Buch: Volker Schlöndorff, Kamera: Lubomir Bakchev, Musik: Bruno Coulais.

Mehr über Das Meer am Morgen im Panorama Special der Berlinale 2012 und in KINO - German Film No: 102, Seite 32.

]]> http://www.kino-germanfilm.de/?feed=rss2&p=1394 http://www.kino-germanfilm.de/?p=1387 http://www.kino-germanfilm.de/?p=1387#comments Thu, 22 Mar 2012 21:14:24 +0000 Dorothea Holloway http://www.kino-germanfilm.de/?p=1387 Eingeladen von Ziegler Film sah ich im filmkunst 66 am 20. März die Preview von Komm, schöner Tod in der Regie Friedemann Fromm, der auch das Drehbuch erarbeitete – frei nach dem Roman Die Erlösung AG von Björn Kern.

Erst, wenn der Mensch es einmal hautnah erllebt hat, wie endlos schmerzlich das Sterben eines geliebten Todeskranken verzweifelt machen kann, ertragen werden muss, kommt die Nachdenklichkeit: Sterbehilfe… Ein Problem unserer Zeit, das immer schwerer wird je mehr Zeit vergeht. Ärzte dürfen keine Sterbehilfe leisten, das Standesrecht der Bundesärztekammer erlaubt es nicht. Aber Standesrecht ist nicht Gesetz.
Nach der Preview gab es ernste Gespräche. Ein Rat: Wenn am 5. April um 22.15 im ZDF Komm, schöner Tod ausgestrahlt wird, sollte man mit guten Freunden beisammen sein und sich nachher austauschen können, wie es im filmkunst 66 möglich war.

Seit 1992 arbeitet Friedemann Fromm für Film und Fernsehen; er wurde oft ausgezeichnet: Deutscher Fernsehpreis - Adolf-Grimme-Preis - Bayerischer Fernsehpreis - Emmy Award - für Die Wölfe beim Monte Carlo Television Festival die Goldene Nymphe (2009) und 2010 den Adolf-Grimme-Preis. 2011 erhielt Friedemann Fromm für Weissensee den Deutschen Fernsehpreis.

Friedemann Fromm nahm u. a. Unterricht an der “Meisterklasse für 12 europäische Regisseure” von Krzysziof Kieslowski in Amsterdam. Ron ind ich waren mit Krzysztof befreundet.